En el corazón de Cochrane, Región de Aysén, nace Las Dos Hileras, una escuela de acordeón que busca mucho más que enseñar música. Su propósito es rescatar la tradición patagónica, fortalecer la identidad cultural y entregar a niños, niñas y jóvenes herramientas artísticas y sociales que inspiran valores como la disciplina, la perseverancia y el respeto.

El proyecto es impulsado por el acordeonista Danilo Cruces, quien desde su infancia ha comprendido el valor de las experiencias comunitarias. Recuerda con cariño el impacto del Club de Deportes Náuticos Escualos, donde aprendió que más allá de la técnica, lo importante era formar personas íntegras y comprometidas con su entorno.

Esa misma visión lo llevó años después a conocer en Brasil la Fábrica de Gaiteros de Renato Borghetti, experiencia que reafirmó la idea de que el arte puede ser un puente para enseñar valores y construir comunidad.

Inspirado en estos hitos, Danilo decidió replicar el modelo en su tierra natal, fundando la Escuela Tradicional de Acordeonistas de Aysén “Las Dos Hileras”. El nombre hace referencia al acordeón de dos hileras, pero también a la serie de vivencias que dieron origen a este sueño.

Con el tiempo, la escuela se transformó en una agrupación cultural y artística, abierta a la comunidad, que hoy se dedica a llevar cultura a lugares remotos, organizar talleres gratuitos y participar en festivales regionales.

Actualmente, Las Dos Hileras está reconocida como Punto de Cultura Comunitario, gracias al apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Este respaldo ha permitido fortalecer su desarrollo organizacional y ampliar el acceso a clases gratuitas de acordeón, abiertas a todas las edades.

“Más allá de enseñar acordeón, queremos construir comunidad, recuperar saberes y demostrar que incluso en los lugares más remotos se puede hacer cultura con sentido”, comenta Danilo Cruces, quien además proyecta consolidar un método propio de enseñanza y seguir inspirando a nuevos proyectos sociales en beneficio de la región.”

Con cada acorde, Las Dos Hileras no solo mantiene viva la tradición musical patagónica, sino que también demuestra que la cultura puede ser una poderosa herramienta de transformación social.

Para vivir más de cerca su día a día, las presentaciones, las clases y los avances, síguelos en Instagram: @las_dos_hileras

The post Las Dos Hileras: la escuela de acordeón que rescata la tradición y transforma comunidades en Aysén appeared first on Pleidelis.

La banda chilena compuesta por los hermanos Ítalo y Enzo Vásquez, creadores del inconfundible “Pop Cebolla”, se prepara para ofrecer el espectáculo más importante de su carrera. Será una noche inolvidable para los miles de fanáticos que los han acompañado desde sus inicios en 2010.

“Estamos 15 años más viejos, pero tenemos más experiencia, tres discos en las venas y el cariño acumulado de toda la gente que nos ha apoyado desde el comienzo. Estamos como un vino gran reserva”, comenta Ítalo Vásquez.

15 años de éxitos que marcaron a generaciones

Desde su irrupción en la escena musical chilena, Los Vásquez han conquistado al público con letras profundas y emotivas sobre el amor, el desamor y la vida cotidiana, fusionando pop, cumbia, baladas y rancheras.
Canciones como “Tú me haces falta”, “Miénteme una vez” y “Juana María” se convirtieron en himnos radiales y vendieron miles de copias, consolidando al dúo como uno de los artistas más importantes de la música chilena.

“En un comienzo, lo único que queríamos era que la gente nos escuchara, y después de 15 años ver que hicieron las canciones suyas, es un regalo”, agrega Enzo Vásquez.

Premios y reconocimientos

Su éxito se ha visto reflejado en numerosos premios:

• 2012: Disco de Cobre por 50 mil copias vendidas.
• 2015: Premio Pulsar a la Canción Más Escuchada del Año por “Tú me haces falta” y Copihue de Oro en la categoría Grupo o Cantante Romántico.
• 2021: Copihue de Oro como Artista de la Década.

Un show para la historia

El 15 de noviembre de 2024, el Movistar Arena recibirá a más de 15 mil personas para un concierto que promete ser mucho más que música: habrá colaboraciones, invitados especiales y un repaso por toda su trayectoria.

“Será un concierto único y especial. Nos vamos a conectar con los inicios del Pop Cebolla y viajaremos por estos 15 años”, adelanta Ítalo.

Entradas disponibles en Puntoticket.com

The post Los Vásquez celebran 15 años de Pop Cebolla appeared first on Pleidelis.

Era una fría jornada de invierno santiaguino, el corazón palpitante de la bohemia capitalina —el siempre vivo barrio Bellavista— volvió a prenderse con fuego humano. La salsoteca Maestra Vida, ícono de la noche y la cadencia, recibió a Flor de Guayaba, un grupo musical de raíz afrocolombiana, que celebró diez años de existencia sembrando ritmo, sanación y sentido.

Pero no fue una celebración cualquiera. Fue una ceremonia. Un acto de invocación. Una súplica rítmica en medio de la sequía: de agua, de afectos, de espacios para el encuentro y el movimiento libre. Ellas, desde el sur de Chile, llegaron con su tambora y su canto a recordarnos lo esencial. A pedirle a la madre tierra que no nos suelte. A decir —voz y piel— que estamos vivos.

La pista de Maestra Vida se volvió río, volcán, selva, transformación. Una pista rebosante de pasos con raíz, de movimientos que tejían historias comunes. Las penquistas, como también las hermanas del sur profundo, se confundían con santiaguinas, con migrantes, con viajeras. Todas hilando un relato colectivo donde los cuerpos hablaban en tambor.

La música de Flor de Guayaba no se puede reducir a géneros ni etiquetas. Es un viaje entre lo ancestral y lo urbano, entre lo afrocolombiano y lo chileno, entre el ritual y la calle. Anoche presentaron su primer disco Mujer —una oda a lo femenino, a la lucha cotidiana, al amor que resiste— y adelantaron sus nuevos temas “El Temporal” y “En Rejas”, parte del disco Correntosa, que saldrá en agosto.

El Temporal suena a advertencia y a empuje. Como cuando la lluvia no cae, pero igual la tierra se remueve. En Rejas es canto que busca salidas. Porque así es su música: metamorfosis sonora que acompaña los propios cambios.

Y la gente respondió. La sazón de las bailarinas y bailarines llenó el lugar. No había distancias. No había frío. Solo una complicidad encendida entre la tarima y el suelo, entre las manos que tocaban y los pies que se agitaban. La bohemia, por un rato, fue también santuario.

Porque cuando la música se hace con verdad, el eco viaja lejos. Anoche en Maestra Vida, bajo un cielo helado y una luna temblorosa, Flor de Guayaba nos recordó que todavía podemos danzar para no olvidar. Que en esta tierra seca, aún hay flores que brotan del tambor. Y que la revolución también se baila.

The post La noche en que floreció la tambora: los diez años de Flor de Guayaba en Maestra Vida appeared first on Pleidelis.

Mambo significa, en lengua bantú, “conversación con los dioses”. Y eso fue, al principio, un rito sagrado disfrazado de fiesta popular. Lo que Orestes creó como experimento tímido, Pérez Prado lo transformó en explosión. Dámaso, con sus metales hirvientes y su cuerpo estallando de trajes brillantes, llevó el mambo a las grandes orquestas, al Palladium de Nueva York, al cine de México, a las pistas sudorosas donde cada paso era una afirmación de identidad. En sus propias palabras, “yo soy coleccionista de sonidos… el grito de una negrita, el de una cascada, el de una gallinita” (citado en El Comercio, 2023).

Pero como todo ritmo que nace del cuerpo, el mambo mutó. El mundo no es el mismo que el de la Matanzas colonial, ni el del swing caribeño en Manhattan. Hoy, su hijo bastardo camina por los pasajes de Santiago, sucio de calle, adornado de brillos nuevos: el mambo chileno urbano. No se viste de blanco ni suena en casinos. Se graba con celulares, se escucha desde parlantes colgados en rejas. Habla de motos, lucas cortas, fierros, respeto. Y aunque los críticos quieran ignorarlo, está más vivo que nunca.

En 2012, en Puente Alto, un joven llamado Hecnaboy colgó su primer videoclip en YouTube. Era un mambo. Rudo, artesanal, directo. Fue el inicio de una década donde artistas como Granmente, Forest, Bayron Fire, Kevin Martes 13 y Fran C fueron construyendo un subgénero que mezcla dembow, reggaetón y herencia afrocaribeña. Las trompetas cortadas, los bombos repetitivos, la síncopa que remite a Pérez Prado, pero con letras que ya no hablan de amor ni baile: hablan de sobrevivencia. En “Mambo Ladrones” (2020), Granmente afirma: “somos los ladrones del mambo que vienen a romper esta pista”. Lo dice con orgullo, no como metáfora. El mambo ya no es solo musical: es territorial, es simbólico, es político.

Lo que sucede es más profundo. El mambo se ha convertido en el espejo de una clase social postergada. Donde la elite baila salsa en academias pagadas, el mambo urbano aparece en la vereda, entre niños que rapean con celulares prestados y madres que venden sopaipillas. Como escribe la antropóloga María Pérez (2020), “el mambo urbano es un encuentro entre lo global y lo local, donde la periferia se apropia de estructuras caribeñas para narrar su propia existencia”. La socióloga Dahlia de la Cerda sostiene que “escuchar los corridos y los mambos de los márgenes no es glorificarlos, sino entender desde dónde surgen” (Nuevas fronteras del arte marginal, 2021).

Pero ese mismo ritmo, que puede liberar, también puede alentar a caminos peligrosos. Y aquí el debate se vuelve incómodo. Hay letras que glorifican la violencia, que romantizan el narco, que celebran la trampa como método. En “A fuego”, por ejemplo, Forest canta: “nos metimos en la vuelta sin miedo a morir, por la luca, por el kilo, por salir”. ¿Es arte? ¿Es apología del delito? ¿Es un reflejo social?

El caso de Peso Pluma en el Festival de Viña del Mar (2024) encendió esta discusión. Su presentación fue cancelada por presión política y mediática, acusándolo de promover la narcocultura. El concejal René Lues lo consideró “una amenaza moral” y el diputado Luis Sánchez llegó a judicializar su actuación. El músico se bajó del cartel. Pero la pregunta quedó: ¿quién define lo que se puede cantar? ¿El Estado? ¿El mercado? ¿La moral?

Para entender este fenómeno, hay que mirar más allá de la música. Filósofos como Lyotard y Foucault advirtieron que la cultura dominante no solo impone discursos, también define lo que es válido y lo que debe ser excluido. Cancelar al artista es una forma de cancelar el discurso. En este caso, la cancelación del mambo no es solo censura estética, sino una forma de contener el relato de la pobreza. Como si a los marginales se les pidiera cantar solo lo bonito, solo lo aceptable.

Pero los datos incomodan aún más. Según cifras del Instituto Nacional de Estadísticas (INE, 2023), el 90% de la población penal juvenil en Chile es nacional, y los delitos más comunes son el tráfico y robo con violencia. En el informe “Juventud y Delincuencia” del Ministerio de Justicia (2022), se reconoce que la reincidencia en jóvenes entre 16 y 25 años es de las más altas de América Latina. Y lo más grave: el 64% no terminó la enseñanza media, y el 58% nunca tuvo un trabajo formal.

Entonces, ¿qué nos dice el mambo? ¿Que debemos legitimar el delito? No. Pero sí entender que esas letras son el lenguaje de una rabia estructural. Como dice Jorge Gómez, sociólogo chileno: “la cultura flayte no es solo estética: es una respuesta simbólica a la exclusión sistemática de los barrios populares” (Juventud, música y clase, 2018). Es ahí donde el mambo se vuelve más que música: es diagnóstico.

No es cómodo escuchar letras que exaltan la viveza, el “hacerla corta”, el narco como ascenso social. Pero tampoco es honesto fingir que no existen. Cancelarlas es como tapar un espejo. El mambo urbano no necesita justificación moral. Necesita comprensión sociopolítica. Porque en su ruido, en su rabia, en su ritmo sincopado, está la historia reciente de cientos de jóvenes que no encontraron otro canal.

A diferencia de la salsa que educa al oído medio, el mambo urbano golpea al pecho. No pide permiso para sonar. No pide permiso para existir. Y aunque algunos nostálgicos digan que “el mambo murió”, la verdad es que resucitó. No en las grandes bandas ni en los festivales de traje largo. Resucitó en el pasaje, en la plaza, en el beat casero de un chico que, aunque nadie lo escuche, igual canta.

Porque el mambo, como la poesía verdadera, no necesita aplausos para ser verdad. Solo necesita cuerpo. Y ese cuerpo, hoy por hoy, lo tiene la calle.

Línea de Tiempo del Mambo Chileno

The post El Mambo: de la conversación con los dioses a los barrios chilenos appeared first on Pleidelis.

En Santiago hay noches que transcurren como si fueran un poema en voz baja. No hacen ruido en las redes, no llenan estadios, pero dejan huella en quienes están presentes. El pasado Sábado 11 de Julio, en la Sala Máster de Radio Universidad de Chile, ocurrió una de esas. Fue el concierto de Montse, quien llegó para presentar oficialmente su disco Mirando el Horizonte y sellar, sin declararlo, el cierre de una primera etapa luminosa de su carrera.

El show comenzó con una apertura delicada y honesta a cargo de Cote Lillo, cantautora proveniente de Temuco, que tejió con voz y guitarra una atmósfera íntima que preparó el terreno con la suavidad de quien sabe que a veces basta con poco para decir mucho.

Después, sin escenografía exuberante ni artificios visuales, apareció Montse. Una guitarra, una banda ajustada, y sobre todo, una presencia que parecía mezclarse con el aire. Hay artistas que construyen su figura a partir del impacto; Montse, en cambio, se instala desde lo sensorial: es como una brisa que se cuela por la ventana un día de sol y viento.

En el escenario, Montse no interpreta un personaje: se muestra tal cual es. “Todavía no me lo creo mucho”, dijo con una mezcla de alegría y pudor. Pero estaba ahí, en la misma sala donde alguna vez asistió como espectadora. “Yo venía a ver artistas a Sala Máster y pensaba ‘qué bacán sería tocar aquí’. Y se logró”, dijo, emocionada. El momento no era menor: título de ingeniera recién obtenido, primer concierto solista a sala llena, y al día siguiente, el inicio de una gira internacional.

México, Costa Rica, Panamá, Colombia… serán parte de su ruta en los próximos dos meses. Un viaje que mezcla lo artístico y lo personal. “Va a ser exigente, física y emocionalmente”, dijo en entrevista con Pleidelis.cl, “pero también es un sueño. En Colombia me espera uno de los escenarios más grandes que he pisado: la Fiesta del Libro de Medellín”.

Mirando el Horizonte no es un disco para viralizar. Es un álbum para escuchar con tiempo, para dejar que las canciones respiren. A través de melodías suaves, arreglos orgánicos y una lírica luminosa, Montse propone un camino donde la música no es mercancía, sino compañía. No busca provocar, busca acompañar.

En sus canciones hay algo de mística sin artificio. Una conexión con el presente, con la naturaleza, con lo que nos rodea cuando apagamos el ruido. “Un paseo por las praderas, pelo al viento y muchas flores”, anotamos en terreno. Un ritual pequeño pero necesario, como abrir la ventana después de la lluvia.

Y al final, el llanto. No uno dramático, sino sereno. La emoción de quien siente que ha cumplido una etapa. Una calma profunda que llega después de haber atravesado miedos, dudas y decisiones difíciles. Porque para Montse, cantar no es una estrategia: es una forma de habitar la vida.

Esa noche, Chile tuvo una buena representante. Una artista que no se desborda, pero que desborda sentido. Que no dramatiza, pero que conmueve. Y que está enseñando —paso a paso, canción a canción— que mirar el horizonte no es huir, sino confiar.

The post Montse en Sala Máster: un concierto para mirar al horizonte con calma, coraje y canciones appeared first on Pleidelis.

Tras un 2024 de exploración y reinvención, Soulfía da inicio a este año con una propuesta musical vibrante: “Acaramelada”. Este nuevo single es un explosivo merengue-mambo que celebra la libertad emocional y la capacidad de transformar la tristeza en energía positiva.

“Acaramelada la defino como el sol que sale después de la tormenta, después de haber pasado por momentos difíciles. Lo defino como, literalmente, comerse la tristeza y aprovechar, sacar el mejor jugo de las cosas negativas y tristes, y convertirlas en energía positiva y en el disfrute”, explicó la cantautora.

Bajo la producción de Raúl Abarca y la dupla Vinco y Egobloy (responsables del éxito “Epistolares” de AKRIILA), “Acaramelada” sigue explorando el pop latino, con una esencia veraniega que evoca playa y libertad.

“Este estreno significa mucho para mí porque estoy redefiniendo a la Soulfía original. Es el primer single del disco, una primera mirada a un mundo más real y más desnudo”, agregó la artista.

Un 2025 lleno de nuevos desafíos

Soulfía se ha consolidado como una de las principales exponentes del nuevo pop chileno, fusionando ritmos urbanos con soul y R&B. Su participación en el hit “Escarlata Remix” la posicionó como la artista femenina más escuchada en Spotify Chile en 2024. Además, ha sido reconocida en los Premios Pulsar y proyectada en Times Square como Artista Radar y Artista EQUAL de Spotify en 2022.

Actualmente, la cantante está trabajando en su segundo disco, un proyecto que promete ser el más personal de su carrera. Durante el primer semestre, participará en diversos festivales municipales, regresará al escenario de Lollapalooza Chile y debutará en la edición argentina del festival, donde ha estado colaborando con artistas y productores locales.

The post SOULFÍA inicia el 2025 con “acaramelada”, un merengue-mambo lleno de energía y frescura appeared first on Pleidelis.

La talentosa cantante chilena KYA ha dado a conocer su nuevo sencillo “POPSTAR”, disponible en todas las plataformas digitales desde el 24 de octubre a las 20:00 hrs. Este lanzamiento marca el primer adelanto de la versión deluxe de su exitoso álbum “LA CLASSE”, que incluirá cuatro nuevas canciones.

Una fusión innovadora con Galdino

“POPSTAR” es una colaboración con el productor mexicano Galdino, y en esta canción, KYA fusiona el R&B clásico de los 90 con un estilo contemporáneo de Neo R&B, inspirado por artistas como Tommy Richman y Chikoruss. La canción destaca por su estética nostálgica, que evoca la época dorada del género, pero también introduce sonidos modernos, con melodías pegajosas y chanteos dinámicos que muestran la versatilidad de la artista.

Un visualizer intrigante como prólogo

El visualizer de “POPSTAR” da un vistazo a la narrativa visual que KYA ha venido desarrollando en sus videoclips, posicionándose como el capítulo 0 de esta historia. En él, se observa a una versión más joven de KYA, con cabello rubio, enfrentando las frustraciones de la fama, mostrando un lado vulnerable de lo que significa ser una celebridad.

Reflexión sobre la fama y sus contradicciones

“POPSTAR es una invitación a conocer lo que realmente significa estar en el mundo de una celebridad. Entre lujos y viajes, la canción refleja tanto las luces como las sombras de la fama, pero con el toque fresco y único que siempre trato de aportar a mi música”, explicó KYA sobre este nuevo sencillo.

KYA, consolidándose como una de las voces más frescas de Chile

Con una carrera que ya incluye éxitos y colaboraciones con artistas de renombre como Denise Rosenthal, Soulfia, Easy Kid y Drefquila, KYA se sigue consolidando como una de las voces más innovadoras y prometedoras de la escena musical chilena. Su creciente éxito la posiciona como una artista lista para expandir su influencia más allá de las fronteras nacionales, con gran expectativa por su participación en Lollapalooza 2025.

Próximo concierto en Sala Metrónomo

Además, KYA se prepara para su esperado primer show en solitario en Sala Metrónomo el próximo 28 de noviembre, donde sus seguidores podrán disfrutar de su característico estilo en vivo. Los boletos ya están disponibles en www.salametronomo.com.

The post KYA lanza “POPSTAR”, primer adelanto de “LA CLASSE DELUXE” previo a Lollapalooza 2025 appeared first on Pleidelis.