Tras cerrar el ciclo de su primer álbum con AquaLuna Deluxe, la artista chilena QLOUD inicia una nueva etapa con el estreno de “Bby Kitty”, una canción que fusiona hyperpop y techno, mezclando energía club, ironía y autenticidad. El single, disponible desde el 23 de octubre, llega acompañado de un videoclip que introduce el universo visual de su próximo trabajo discográfico.

Con producción musical de la propia QLOUD, mezcla de Williams Martínez y masterización de Francisco Holzman, Bby Kitty combina tintes trance, samples de gatitos y voces procesadas, construyendo un sonido vibrante que refleja su personalidad experimental y su enfoque en la libertad creativa.

El tema se presenta como un himno para quienes eligen ser diferentes, abrazando sus gustos, estilos y formas de expresión sin buscar validación externa.

Con este lanzamiento, QLOUD abre una nueva fase que anticipa su próximo álbum de estudio, luego del aclamado AquaLuna (2024) y su versión Deluxe, donde exploró sonidos entre el drum and bass, house y electrónica experimental.

Desde su debut con El Mundo Índigo (2020), Claudia Lillo, conocida artísticamente como QLOUD, ha desarrollado una propuesta única que cruza producción musical, diseño sonoro y estética visual, consolidándose como una de las voces más innovadoras de la escena alternativa chilena.

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La cantante y compositora Nata! presenta “Casamiento”, el tercer adelanto de su disco debut Lautaro, programado para noviembre. La canción destaca por su fusión entre pop electrónico, folk y sonoridades rancheras, una mezcla que continúa definiendo la identidad musical de la artista: un punto de encuentro entre lo contemporáneo y las raíces de la música popular chilena.

Con influencias que van desde Javiera Mena y Miranda! hasta Los Charros de Lumaco, Antonio Aguilar y La Flor Silvestre, “Casamiento” se construye sobre un bajo protagónico, sintetizadores arpegiados y vientos sintetizados que remiten al imaginario western y tejano. En su letra, Nata! aborda una historia de desamor marcada por el alcoholismo y la dificultad de comunicación, problemáticas que atraviesan los vínculos afectivos en contextos rurales y que se conectan con una reflexión más amplia sobre la salud mental y las formas de afrontar el dolor emocional.

Compuesta por Nata Cavieres Pasmiño y producida por Kuyen Galeas, Carlos Reyes Calvert y Arturo Zegers, “Casamiento” surge como una pieza central de Lautaro, un álbum que explora la vulnerabilidad, la soledad y el impacto psicológico de los silencios emocionales, especialmente en espacios donde las emociones suelen reprimirse.

Con este lanzamiento, Nata! reafirma una propuesta que busca expandir los límites del pop chileno, integrando sonidos y relatos propios de las provincias en un lenguaje musical moderno, sensible y profundamente arraigado en la identidad local.

Escucha “Casamiento” en Spotify, YouTube, Apple Music y todas las plataformas digitales. Sigue a nata! en Instagram para conocer más sobre su proyecto y el próximo estreno de su álbum Lautaro.

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Tras su EP debut Primer Vuelo (2021), Cecilia Gauna Palavecino regresa con Exceso Emocional, un viaje sonoro que aborda la complejidad de las emociones y que este 14 de septiembre suma un videoclip. El tema mezcla folk-pop, neo-soul y sutiles destellos de jazz interpretados por su banda, consolidando así la nueva identidad musical de Ceci dentro de la escena independiente chilena

“Es mi primer videoclip, por lo que es muy emocionante para mí. Cumple el anhelo de mi yo pequeña, que al escuchar música, imaginaba siempre su propio video”, comentó la artista.

La canción, publicada en agosto, explora el miedo a desbordarse y la tensión entre callar o expresar emociones intensas. El videoclip traduce ese conflicto en una narrativa donde la niñez, la adolescencia y la adultez enfrentan la vulnerabilidad desde distintos niveles de madurez

La propuesta audiovisual transmite intimidad y cercanía en sintonía con la calma de los sonidos. El mural de fondo que acompaña algunas de las escenas funciona como refugio frente al ruido mental y como un guiño a la búsqueda de equilibrio en la naturaleza.

Una colaboración que potencia la vulnerabilidad

La cantautora oriunda de San Miguel, no es la única detrás de esta producción, más de diez personas forman parte del proyecto ceci, desde el equipo musical que la acompaña en los instrumentos hasta el equipo audiovisual liderado por la productora Que Mira.

En el single, se suma la voz de La Magdalena, que refuerza la expresividad del tema. “Su voz aporta un sonido de estilo R&B, dándole el matiz y la dinámica que necesitaba la canción”, destacó la artista. Ambas mantienen una relación creativa desde hace años, lo que permitió una colaboración orgánica y una visible complicidad.

La dirección y producción del video estuvo a cargo de Constanza Vargas junto a la propia cantante, quienes construyeron una estética de collage con referencias a íconos latinoamericanos como Shakira y Julieta Venegas, además de influencias japonesas en la caracterización de los personajes.

Exceso Emocional marca el inicio de una nueva etapa en la carrera de Ceci, con la promesa de nuevas colaboraciones, música y propuestas visuales que consolidan su identidad como una de las voces emergentes de la escena independiente en Chile donde convierte su vulnerabilidad en su mayor fortaleza.

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La historia detrás de este single comenzó de manera muy especial. Matías cuenta que la oportunidad de grabarlo se dio gracias a un reconocimiento:

“Esta canción nació gracias a un premio que gané en Haux Records, donde obtuve primer lugar y la oportunidad de grabar una producción musical completa. La inspiración viene de un sentimiento pasado, básicamente una pérdida amorosa”.

Con este trabajo, el artista buscó ir más allá de lo melódico y conectarse directamente con las emociones. “Queríamos transmitir ese sentimiento de angustia y anhelo que queda después de una ruptura amorosa, y conectar emocionalmente con los oyentes, hacer que se sientan acompañados en sus propios procesos de duelo y reflexión”, comenta.

El proceso creativo fue un viaje muy personal. “Todo comenzó en una videollamada con mi productor Neven Ilic. Le compartí mi experiencia personal y él supo capturar la esencia de mi historia y transformarla en música. Luego, le envié un texto que había escrito y Neven lo musicalizó con un resultado increíble”.
Matías agradece también al equipo completo de Haux Records, quienes participaron tanto en la parte musical como en la audiovisual.

El lanzamiento no llega solo, sino acompañado de un videoclip lleno de simbolismo. “Darle vida visual fue un proceso muy creativo. Queríamos capturar la esencia de la pérdida y el anhelo con escenas como caminar bajo la lluvia, buscar en el mar o mirar al cielo con esperanza. Cada detalle está diseñado para reflejar la emoción y la vulnerabilidad de la canción”, explica el artista.

Al mirar hacia atrás y comparar con sus trabajos anteriores, Matías reconoce que este single marca un punto distinto en su carrera: “Definitivamente esta canción tiene mucho más sentimiento e historia que mis trabajos anteriores, donde me enfocaba más en conectar melódica y rítmicamente con el oyente que emocionalmente”.

Sobre lo que espera del público, concluye:

“Mi objetivo es que conecten con la letra, con cada pieza de la canción ya sea letra, ritmo, sonidos y armonías. Simplemente que la disfruten”.

Ya puedes escuchar “Si Tú Vuelves”, el nuevo single de Matías Salazar.
Una balada íntima y cargada de emoción, producida por Neven Ilic junto a Haux Records, que llega acompañada de un videoclip lleno de simbolismo.

Escúchala ahora en:

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“Oráculo Felino es mi propio oráculo: un reflejo de mis emociones, pero también un puente hacia lo enigmático y lo felino que llevo dentro”, explica Eve.

El universo sonoro de Oráculo Felino

El EP transita entre la vulnerabilidad y la sensualidad, entre la oscuridad y la luz. Cada canción se presenta como un capítulo de un mismo sueño, componiendo un mapa de emociones donde conviven el deseo, la conexión, la despedida y la entrega.

Las seis canciones que lo integran son:

• Meow
• Hey Gata
• Felina Malvada
• Arigato (la más difícil de escribir, por la intensidad de lo que revela)
• GRRR
• Catting Love (nacida como un juego libre y espontáneo, uno de los momentos más frescos del EP).

Oráculo Felino fusiona pop, electrónica, R&B, urbano e influencias asiáticas/japonesas, con atmósferas sensuales y oníricas. El EP contó con la producción de Siene y la colaboración de Barbacius, aportes claves para darle sofisticación y autenticidad al sonido.

Visualizer y estética felina

Eve se permitió experimentar con texturas electrónicas, silencios, capas vocales más íntimas y melodías etéreas que no había explorado antes. El resultado: un trabajo que ella misma define en tres palabras: místico, sensual y onírico.

El universo visual fue desarrollado por el artista Diego Candia, inspirado en el animé y en la cultura japonesa, con guiños a figuras femeninas poderosas como Sailor Moon. La propuesta combina símbolos rituales, espiritualidad y contrastes entre delicadeza y fuerza.

“El maquillaje, el vestuario y las imágenes reafirman el carácter felino y enigmático del disco, deconstruyendo imaginarios y proponiendo un lenguaje visual propio”, detalla Eve.

Mira aquí el visualizer de “Arigato”

Una nueva etapa en la carrera de Eve

Con este EP, Eve consolida su faceta de artista conceptual, dejando atrás la lógica de los singles aislados para construir un universo completo:

“Quiero que quienes lo escuchen despierten su intuición y se conecten con sus propios procesos internos”, afirma.

Tras el lanzamiento, la artista proyecta una etapa de expansión con presentaciones en vivo inmersivas, donde visuales, luces y atmósferas refuercen el carácter onírico del EP, además de nuevas colaboraciones y exploraciones audiovisuales.

Sigue a Eve Bühring en redes sociales para no perderte ninguna novedad.

Escucha aquí Oráculo Felino en Spotify

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Entre los headliners destacan Sabrina Carpenter, que llega en pleno auge mundial con éxitos como “Espresso”, el rapero Tyler, the Creator, el esperado regreso de Lorde, además de la potencia de Deftones, Skrillex, Lewis Capaldi y la banda chilena Los Bunkers, consolidando un cartel de tres jornadas intensas.

Pero la fiesta no se queda ahí. El line-up también trae a Chappell Roan, Doechii, Interpol, Kygo, Peggy Gou, Turnstile, Tom Morello, TV Girl, Marina, Danny Ocean y Addison Rae, mostrando la amplitud del festival en estilos y generaciones.

El poder local y latino

La edición 2026 no olvida sus raíces y apuesta por artistas chilenos y latinoamericanos. Gepe, Manuel García, Rubio, Young Cister, Gondwana, De Saloon, Cristóbal Briceño y Grupo Crisis, junto a nuevas voces como AKRIILA, Judeline, Nafta y Yami Safdie, confirman que la música de la región sigue creciendo con fuerza.

Y, por supuesto, el regreso de 31 Minutos al Kidzapalooza promete conquistar a grandes y chicos, sumándose a shows infantiles como Tikitiklip y School of Rock.

Entradas y próximas novedades

Aunque los abonos generales ya se encuentran en Preventa 3 a través de Ticketmaster.cl, la venta de pases diarios se activará una vez que se anuncie el line-up por día en las próximas semanas.

Lollapalooza Chile 2026 promete ser una de las ediciones más memorables: tres días donde la música será protagonista en el corazón de Santiago.

Este y otros eventos musicales en nuestra Cartelera Pleidelis

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En el corazón de Cochrane, Región de Aysén, nace Las Dos Hileras, una escuela de acordeón que busca mucho más que enseñar música. Su propósito es rescatar la tradición patagónica, fortalecer la identidad cultural y entregar a niños, niñas y jóvenes herramientas artísticas y sociales que inspiran valores como la disciplina, la perseverancia y el respeto.

El proyecto es impulsado por el acordeonista Danilo Cruces, quien desde su infancia ha comprendido el valor de las experiencias comunitarias. Recuerda con cariño el impacto del Club de Deportes Náuticos Escualos, donde aprendió que más allá de la técnica, lo importante era formar personas íntegras y comprometidas con su entorno.

Esa misma visión lo llevó años después a conocer en Brasil la Fábrica de Gaiteros de Renato Borghetti, experiencia que reafirmó la idea de que el arte puede ser un puente para enseñar valores y construir comunidad.

Inspirado en estos hitos, Danilo decidió replicar el modelo en su tierra natal, fundando la Escuela Tradicional de Acordeonistas de Aysén “Las Dos Hileras”. El nombre hace referencia al acordeón de dos hileras, pero también a la serie de vivencias que dieron origen a este sueño.

Con el tiempo, la escuela se transformó en una agrupación cultural y artística, abierta a la comunidad, que hoy se dedica a llevar cultura a lugares remotos, organizar talleres gratuitos y participar en festivales regionales.

Actualmente, Las Dos Hileras está reconocida como Punto de Cultura Comunitario, gracias al apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Este respaldo ha permitido fortalecer su desarrollo organizacional y ampliar el acceso a clases gratuitas de acordeón, abiertas a todas las edades.

“Más allá de enseñar acordeón, queremos construir comunidad, recuperar saberes y demostrar que incluso en los lugares más remotos se puede hacer cultura con sentido”, comenta Danilo Cruces, quien además proyecta consolidar un método propio de enseñanza y seguir inspirando a nuevos proyectos sociales en beneficio de la región.”

Con cada acorde, Las Dos Hileras no solo mantiene viva la tradición musical patagónica, sino que también demuestra que la cultura puede ser una poderosa herramienta de transformación social.

Para vivir más de cerca su día a día, las presentaciones, las clases y los avances, síguelos en Instagram: @las_dos_hileras

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En Santiago hay noches que transcurren como si fueran un poema en voz baja. No hacen ruido en las redes, no llenan estadios, pero dejan huella en quienes están presentes. El pasado Sábado 11 de Julio, en la Sala Máster de Radio Universidad de Chile, ocurrió una de esas. Fue el concierto de Montse, quien llegó para presentar oficialmente su disco Mirando el Horizonte y sellar, sin declararlo, el cierre de una primera etapa luminosa de su carrera.

El show comenzó con una apertura delicada y honesta a cargo de Cote Lillo, cantautora proveniente de Temuco, que tejió con voz y guitarra una atmósfera íntima que preparó el terreno con la suavidad de quien sabe que a veces basta con poco para decir mucho.

Después, sin escenografía exuberante ni artificios visuales, apareció Montse. Una guitarra, una banda ajustada, y sobre todo, una presencia que parecía mezclarse con el aire. Hay artistas que construyen su figura a partir del impacto; Montse, en cambio, se instala desde lo sensorial: es como una brisa que se cuela por la ventana un día de sol y viento.

En el escenario, Montse no interpreta un personaje: se muestra tal cual es. “Todavía no me lo creo mucho”, dijo con una mezcla de alegría y pudor. Pero estaba ahí, en la misma sala donde alguna vez asistió como espectadora. “Yo venía a ver artistas a Sala Máster y pensaba ‘qué bacán sería tocar aquí’. Y se logró”, dijo, emocionada. El momento no era menor: título de ingeniera recién obtenido, primer concierto solista a sala llena, y al día siguiente, el inicio de una gira internacional.

México, Costa Rica, Panamá, Colombia… serán parte de su ruta en los próximos dos meses. Un viaje que mezcla lo artístico y lo personal. “Va a ser exigente, física y emocionalmente”, dijo en entrevista con Pleidelis.cl, “pero también es un sueño. En Colombia me espera uno de los escenarios más grandes que he pisado: la Fiesta del Libro de Medellín”.

Mirando el Horizonte no es un disco para viralizar. Es un álbum para escuchar con tiempo, para dejar que las canciones respiren. A través de melodías suaves, arreglos orgánicos y una lírica luminosa, Montse propone un camino donde la música no es mercancía, sino compañía. No busca provocar, busca acompañar.

En sus canciones hay algo de mística sin artificio. Una conexión con el presente, con la naturaleza, con lo que nos rodea cuando apagamos el ruido. “Un paseo por las praderas, pelo al viento y muchas flores”, anotamos en terreno. Un ritual pequeño pero necesario, como abrir la ventana después de la lluvia.

Y al final, el llanto. No uno dramático, sino sereno. La emoción de quien siente que ha cumplido una etapa. Una calma profunda que llega después de haber atravesado miedos, dudas y decisiones difíciles. Porque para Montse, cantar no es una estrategia: es una forma de habitar la vida.

Esa noche, Chile tuvo una buena representante. Una artista que no se desborda, pero que desborda sentido. Que no dramatiza, pero que conmueve. Y que está enseñando —paso a paso, canción a canción— que mirar el horizonte no es huir, sino confiar.

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En Barrio Italia todo parece diseñado para agradar. Hay cafés con plantas colgantes, tiendas de ropa donde reina el lino y vitrinas con libros que pocos leen. Entre tanto escaparate, el arte a veces se disuelve. Pero este jueves por la noche, entre sushi, humo y neones, hubo algo que interrumpió el confort. Una voz clara, honesta. Una presencia que no exige atención, pero la convoca: Vlntna B.

La artista antofagastina —radicada en Santiago— llegó a Alto Japón Sushi Bar con un show íntimo pero cargado de verdad. No es su debut, ni mucho menos. Lleva años en esto. Pero este 2024 marca un punto de madurez. Lanzó el EP loto, un trabajo que ella misma define como “una iluminación propia”. No por mística, sino por concreta: loto fue, literalmente, su forma de salir del bloqueo.

“Estaba en un momento complicado, de esos donde una se pregunta si seguir”, confesó en entrevista con Pleidelis “Y este proyecto llegó como una respuesta que me permitió encontrar un sonido que siento muy mío”.

Ese sonido tiene algo de pop alternativo, algo de electrónica nostálgica y una energía lo-fi que acompaña, pero no abruma. Hay una sinceridad en su voz que no necesita adornos. El beat puede variar, pero la emoción se mantiene constante.

“Creo que loto tiene como eje el crecimiento personal. No está dicho explícitamente en las letras, pero sí en el recorrido emocional”, explica. Y se nota. Las canciones no cuentan una historia, pero todas apuntan hacia un mismo lugar: esa zona íntima donde una se reinventa sin alardes, solo con voluntad.

En escena, Vlntna B no interpreta: transmite. Hay momentos donde el micrófono parece sobrarle y otros donde se funde con la base como si fuera un instrumento más. Lo suyo no es performance: es presencia. La misma que la ha llevado a construir una comunidad leal, silenciosa pero firme, que la acompaña desde el norte y la sigue ahora en la capital.

En un mundo donde muchas carreras nacen con la expectativa del algoritmo, la de Vlntna B se ha tejido con paciencia. No grita, pero tampoco pide permiso. “Estoy agradecida por todo el cariño. No es una carrera corta la mía, y me llena ver que hay gente que sigue ahí”, dice.

No es raro que esté encontrando su lugar justo ahora. Este año parece estar girando en torno a eso: consolidar lo propio. Merchandising, nuevos shows, la posibilidad de más lanzamientos. Todo eso mientras —como ella misma admite— lidia con nuevos bloqueos, con las pausas naturales de un proceso creativo que no siempre da tregua.

“Si ya pude salir de uno con un proyecto tan bacán como loto, sé que puedo volver a salir de los que vengan. Y ese es también mi mensaje: siempre se puede volver a salir”, dice con convicción.

Vlntna B no está esperando que alguien valide su talento. Lo está poniendo sobre la mesa, con calma y claridad. Lotto no es un disco que busque sonar como nada más. Es una bitácora emocional en clave pop. Y su presentación en Alto Japón dejó claro que estamos ante una artista que no se acomoda al molde, pero tampoco lo rompe por romper. Simplemente, sigue caminando con voz propia.

En tiempos donde la autenticidad se simula, ella la ejerce. Y eso, aunque no haga trending topic, merece ser escuchado.

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Afuera, el frío calaba los huesos. Santiago se recogía entre luces tenues y soplos de neblina, mientras una luna creciente comenzaba a asomar tímidamente entre los edificios del Barrio Bellavista. Era 11 de julio, una noche común, salvo por lo extraordinario que ocurría en el corazón palpitante de Sala Metrónomo.

Por primera vez, el festival Ladera Volcán llegaba a la capital como un rito íntimo, profundamente cuidado, donde cada artista parecía más una confesión que un show. Una reunión de voces que no gritan, pero que resuenan.

Tres voces, una sola vibración

Pedropiedra, Olivia García y Rosario Gatica fueron los protagonistas de esta ceremonia sonora. Cada uno con su mundo, pero todos con una carga emocional que transformó el espacio en algo más parecido a un refugio que a una sala de conciertos.

Rosario Gatica abrió la noche con una vibra contenida, poderosa, casi cinematográfica. Hay una calma extraña en su forma de interpretar, como si sus canciones nacieran para quedarse, para habitar el tiempo con delicadeza. Cuando fue entrevistada por Pleidelis, la cantante señaló con una mezcla de pudor y entusiasmo:

“Estoy trabajando en un nuevo disco, más experimental, con sonidos nuevos… Estoy muy emocionada, con muchas ganas de mostrar mi música a todos.”

Olivia García, aparecio feliz por su titulación: dejó atrás los días divididos entre clases y ensayos, para sumergirse por completo en la música. Su voz —limpia, sentida, valiente— se sintió como una declaración de principios. Y lo era. Pronto parte a una gira por España, y lo dejó claro: “Ahora estoy 100% disponible para la música, que es lo que más quiero en la vida”.

Pedropiedra, cerró con su encanto habitual fue el anfitrión ideal para un público que ya lo siente parte del de sus vidas.

Una nueva generación que no necesita permiso

Ladera Volcán no solo puso sobre la mesa a tres artistas con recorrido; también dejó en evidencia algo más profundo: una nueva generación de músicos chilenos que ya no espera validación para existir, que crea desde la raíz, pero con la vista puesta en el mundo.

El festival, que nació lejos de los centros de poder —en el sur, cerca del volcán Osorno—, encontró en esta fecha santiaguina un punto de expansión emocional.

Y cuando la música terminó y las luces volvieron a su blanco habitual, la luna ya estaba alta. Afuera, el frío seguía, pero algo había cambiado. Porque algunas noches, aunque pequeñas, encienden fuegos que arden mucho más lejos de lo que imaginamos.

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